En esta obra vemos a la izquierda una suerte de postal urbana de una puerta del Corte Inglés, al que acude presuroso un descompuesto personaje de tebeo con el estilo de Ibáñez. Ugalde pretende reflejar, dentro del lenguaje de una sociedad alienada, esos seres vueltos al revés por la miseria anímica, política y cultural, absorbidos por la manipulación publicitaria, y lo hace bajo la mirada amenazante de un extraño ser, reflejado en otra postal a la derecha, siniestro caballero medieval que recuerda la muerte.

La obra refleja un banco en el que aparece sentado un joven “sanferminero” en Pamplona, rodeado por un suelo lleno de desechos de la fiesta, a lo que se une un elemento extraño introducido a propósito por el pintor (un pájaro posado sobre la espalda del joven). La leyenda escrita sobre el respaldo del banco enuncia aparentemente un tema que da título a la obra (Insumisión).

La técnica empleada en esta obra es de extrema sencillez, se trata de una pintura que casi es dibujo: el papel se ha preparado con cola para dotarle de mayor consistencia y después se pinta con nogalina. Las formas son igualmente simples y se han conseguido mediante unos contrastes de cierta ascendencia cubista. De este modo aparecen como masas que se contraponen creando espacios, siempre con predisposición a la curva, resultando seres que, en la línea de inclinación orgánica que caracteriza toda su pintura, denotan algo de plasmático o en gestación. El significado se traduce asimismo con la eficaz sencillez de la caricatura: observamos al pueblo contemplando, desde la impotencia de una barrera, la acritud de la contienda de los politicos.

La técnica empleada en esta obra es de extrema sencillez, se trata de una pintura que casi es dibujo: el papel se ha preparado con cola para dotarle de mayor consistencia y después se pinta con nogalina. Las formas son igualmente simples y se han conseguido mediante unos contrastes de cierta ascendencia cubista. De este modo aparecen como masas que se contraponen creando espacios, siempre con predisposición a la curva, resultando seres que, en la línea de inclinación orgánica que caracteriza toda su pintura, denotan algo de plasmático o en gestación. El significado se traduce asimismo con la eficaz sencillez de la caricatura: vemos seres que intercambian puñetazos.

La técnica empleada en esta obra es de extrema sencillez, se trata de una pintura que casi es dibujo: el papel se ha preparado con cola para dotarle de mayor consistencia y después se pinta con nogalina. Las formas son igualmente simples y se han conseguido mediante unos contrastes de cierta ascendencia cubista. De este modo aparecen como masas que se contraponen creando espacios, siempre con predisposición a la curva, resultando seres que, en la línea de inclinación orgánica que caracteriza toda su pintura, denotan algo de plasmático o en gestación. El significado se traduce asimismo con la eficaz sencillez de la caricatura: vemos unos grandes puños que simbolizan las luchas de los partidos, al margen de los intereses populares.

La técnica empleada en esta obra es de extrema sencillez, se trata de una pintura que casi es dibujo: el papel se ha preparado con cola para dotarle de mayor consistencia y después se pinta con nogalina. Las formas son igualmente simples y se han conseguido mediante unos contrastes de cierta ascendencia cubista. De este modo aparecen como masas que se contraponen creando espacios, siempre con predisposición a la curva, resultando seres que, en la línea de inclinación orgánica que caracteriza toda su pintura, denotan algo de plasmático o en gestación. El significado se traduce asimismo con la eficaz sencillez de la caricatura: vemos un personaje con chistera que representa el poder económico, dominando los manejos de los políticos que pisotean la masa del pueblo, aplastado y reducido en sacos atados.

La obra nos presenta una marcha de policías antidisturbios, un grupo de hombres uniformados, cuya individualidad queda anulada en el cuerpo. La luz en negativo unida a unos colores metálicos provoca un efecto de fría alucinación, de sueño, o más bien, de pesadilla, en el que un muchacho intenta desplazarse con dificultad a lo largo de una cadena para alcanzar el otro lado, persiguiendo no sabemos qué, tal vez la libertad de ser él mismo.

Verdes ha plasmado un cercano y primerísimo plano del rostro decrépito de un Franco anciano, pintado tan sólo dos años antes de fallecer. El pintor ha elegido un encuadre descentrado y ligeramente fragmentado para dibujar con el grafito la sombra de un Franco enfermo, casi moribundo: el gesto de la boca, las hundidas cuencas de los ojos, el color cadavérico, lo asemejan más a una mascarilla funeraria que a un retrato oficial.

Esta obra está construida a base de una acumulación de fragmentos de imágenes, una fragmentación con la que el artista construye la base de su discurso. Un discurso o proceso que parece surgir de la tradición conceptual del collage proveniente de la destrucción de materiales, imágenes y recursos lingüísticos extraídos de la propia historia creativa del pintor. Aparece tímidamente el color, en delimitados y concisos toques malvas y amarillos que desplazan, en parte, al blanco y negro dominante.

Se trata de una obra imponente en la que la secuencia de cuerpos crea un movimiento, una tensión rítmica de izquierda a derecha hacia el infinito. El autor ha realizado una serie de manchas blancas y rojas al óleo, líneas definitorias de la figura, así como trazos de apoyo en cera negra para aumentar su expresividad.

En esta obra se crea un clima abstracto que, sin embargo, parte de la realidad pero la trama fotográfica se dilata de tal modo que resulta imposible distinguir la imagen de la que se había partido, se diluyen los anclajes figurativos de la fotografía sólo podemos intuir o adivinar la realidad que le da origen en un proceso de subjetiva reconstrucción a partir de los fragmentos desgarrados que constituyen el cuadro. La obra, en efecto, busca un tratamiento analítico de la imagen, logrando la simbiosis visual de la figura con el contexto abstracto por medio de una fragmentación y superposición en clave de grises y negros.

La obra muestra la imagen extraída de un tratado médico-psiquiátrico, en la que se delata el impotente dramatismo de un enfermo deforme, atado a su propio lecho con el cuerpo parcialmente tapado por una sábana. Sobre esta imagen el autor vierte riadas de pintura líquida, que se apodera, inerte y abstracta, de la superficie del lienzo, se torna una mancha que tapa y desplaza la carne y los huesos, la propia imagen del ser humano, atrapándolos alegóricamente en el manto de la muerte.